Galería - Decastelli-arte

2010-12-11T08:12:00.000-08:00

Decastelli-arte
Siete es un número misterioso y mágico.
Muchos aspectos de la vida del hombre son regidos por este número. Son siete días los que tiene la semana, los mismos que ocupó Dios para formar la tierra. Son siete los mares del planeta. Los hindús han descubierto siete chacras o puntos de energía en el cuerpo, siete maravillas del mundo, siete pecados capitales, siete calamidades.
Los metafísicos hablan de siete niveles de conciencia, el arco iris tiene siete colores, son siete las notas musicales, siete son los años que cumplió la galería Decastelli-arte.
En estos siete años disfruté la relación con mis pares en cada uno de sus proyectos expositivos y aprendí el esfuerzo que significa tener un sitio propio.
El 30/11 cierro este período de mi vida para dar mayor espacio a mi actividad visual.
Espero poder compartir con cada uno de Uds. Mis próximas acciones creativas.
Osvaldo Decastelli

2010-11-19T11:03:00.000-08:00

Taller en tránsito

Coordinación y producción

Ana Schwartzman-Lucia Kuschnir

cuatro semanas, cuatro muestras

Nunca entendieron al hombre en acción como verdadera obra de arte.
Alberto Greco

En los años 60 Alberto Greco se quejaba y proponía una nueva manera de hacer arte. Evidenciar el proceso e ir contra las autorías se transformó en la nueva regla de ese entonces. Las características de la producción que sucedió a ese agitado contexto, desdibujaron los límites del arte y desmaterializaron la apariencia de sus objetos.
El arte contemporáneo muchas veces privilegia la actividad intelectual por sobre la manual y artesanal. Pero entre una idea y un objeto hay siempre un proceso que se muestra más o menos explícito. Esta exposición busca desenvolver el arte de cinco artistas, quitarle su embalaje misterioso y abrir nuevos circuitos de circulación e intercambio en los que el proceso forme parte del resultado final.
Taller en tránsito propone romper con el distanciamiento que generan los tradicionales modos de exhibición para poder devolvernos una percepción más directa y una relación más sensible.

Ana Schwartzman

Diego Cossettini

Diego Cossettini
Entre Keyboards en desuso y verdes plantas, Diego Cossettini indaga sobre los vínculos entre lo humano y lo tecnológico. Se pregunta si el hombre no ha llegado a convertirse en un medio técnico e instrumental, propio del sistema que lo excede y domina. En esta homotecnia, los sujetos de rostros cuadriculados, logrados con plantillas y colores arbitrarios, no se individualizan. Sin embargo, su tratamiento pictórico, no los deja confundirse con las imágenes creadas por los medios digitales.

Florencia Basso

Juan Elizalde

Carolina Dutari

Lucia Kuschnir

Lucía Kuschnir
Entre agujas de costurera y tuercas de mecánico, Lucía Kuschnir elabora su obra y profundiza sus búsquedas. Traspasando las fronteras entre una técnica y la otra, repiensa los límites entre distintos géneros: femenino-masculino, máquina-organismo y técnico-manual. La intervención en cada una de sus obras, es la operación que utiliza para mostrar que nada está dado como parece, ni siquiera esas categorías que creemos que tanto nos definen, aunque cada vez nos cueste menos mezclar.

2010-09-30T07:22:00.001-07:00

María José Pérez

María José Pérez
pinturas
No es frecuente que los espectadores locales puedan apreciar muestras de lo que hacen artistas que viven y crean en su patria chica. Por ello, los que vivimos en la Capital, debemos estar agradecidos a los galeristas que nos dan la oportunidad de compartir la creatividad de, en este caso, una artista sensible y singular como María José Pérez.
Es oriunda de General Pico (La Pampa), de donde provienen varios/as artistas distinguidos/as. Como lo es Pérez, que ya ha presentado su obra en varias ciudades. En su nueva muestra ofrece una dualidad de enfoques tan interesante como original y versátil, pues no se queda atada a un solo tipo de imagen. Inició su trayectoria, como tantos otros colegas, en la figuración y pintando. Luego rumbeó hacia la escultura y, al empezar a policromar sus obras, retornó a la pintura.
Y ahora se abocó plenamente a la abstracción. Su obra es singular, teñida de un lirismo sereno pero fuerte, en ciertos casos, volátil en otros. Aunque trabaje en la ciudad, para ella es vital la cercanía del campo pampeano. Ese campo fuerte y agreste, llano y majestuoso, en el que el silencio tiene un sonido visual que define el cielo, impresionante y misterioso. En esa naturaleza encuentra una paz que sólo la llanura infinita puede dar, arrullada por el viento.
Y justamente podemos ver torbellinos de aire que se elevan bajo firmamentos, hechos con trazos ligeros de una paleta clara y delicada, con figuras hechas de grafismos juguetones que parecen gozar del entorno. En varias de ellas se siente una delicadeza digna de los Preludios de Debussy. Pero estos paisajes abstractos no están exentos de fuerza y drama, con tonos dignos de Wagner, en los que se manifiesta como una muy buena colorista.
Mas Pérez ofrece otra serie de imágenes en las que también impresiona su manejo del color. Si bien en ellas se siente su autoría en los trazos, la imagen es bien diferente. Dominan las superficies cuadradas, formas definidas pero no rígidas, que aliviana el tratamiento pictórico que les da la artista a las superficies. Las interviene con signos semejantes a veloces graffitti, combinando los colores de manera que aligera las formas. Acá surgen los sonidos de un Stravinsky tardío, harto adecuado al misterio que sugiere esta colección de imágenes singulares y armoniosas.

Alfredo Cernadas 2010 crítico de arte

Del 3 al 31 de octubre de 2010

2010-09-07T14:08:00.000-07:00

Alejandra Fella
fotos - pinturas

31 de agosto al 26 de setiembre 2010

M A N I A T I C A
“Maniática” es el ojo extravagante que entra en los grandes universos para encontrar sus mínimas texturas.
Es el ojo lunático que descubre mundos en un milímetro y los expande a través de metros y metros de tela.
Es el ojo antojadizo que envuelve a la realidad a través de una lente.
“Maniática” es la obsesión por el trazo, por la línea excéntrica, por el gesto repetido.
Es la invitación a ser parte de una mirada, que en un abrir y cerrar, de ojos ya se convierte en otra totalmente distinta.

La muestra de Alejandra Fella, participa de la semana del arte 19 al 26 de setiembre,
Gallery Nights 23 de setiembre

2010-07-01T16:07:00.001-07:00

Luisa Pagola

retratos

del 1 al 27 de junio
Lo que vemos, no está hecho solo de lo que estamos viendo sino de lo que nosotros somos...Fernando Pessoa

El retrato es un género extraño: no goza de mucho prestigio aparentemente entre los artistas, y sin embargo nadie deja de pensar en algunos de ellos al recorrer la historia del arte. Desde la Dama de Elche a Lucien Freud, de La Gioconda a Van Gogh.
Durante siglos, el retrato buscó la similitud, el parecido. Más tarde, en el retrato contemporáneo, y con la fotografía para “ser fiel al modelo”, el artista rompe el compromiso con la realidad y establece nuevos códigos: aparece la imagen personal, cambia la forma de mirar. El retrato empieza a dejar ver mucho más allá de la apariencia. Puede respetar los modelos o puede destruirlos, puede traspasar personalidades y presentar aspectos ocultos de los personajes. El creador plantea sus propios códigos.
Hay pocos artistas actuales que se animen a hacer toda una serie de retratos, como ésta que presenta ahora Luisa Pagola. Con un agregado: Luisa retrata a su propia familia, sus seres queridos, su entorno.
Decía Francis Bacon:” El modelo es una persona de carne y hueso, y lo que hay que capturar es lo que emana de dicha persona. No hablo en términos espirituales y demás -eso es lo último en lo que creo-. Pero de cada persona emana algo, no importa quién sea, y en algunas personas la emanación es más fuerte.” Yo no dudo que Luisa Pagola logra atrapar aquello emanado de cada uno de sus modelos. Y lo consigue además, a través de una técnica impecable y con un planteo estético. Una artista verdadera.

Florencia Salas

2010-05-04T07:19:00.000-07:00

Tana Sachs

Del 4 al 30 de mayo de 2010
Los domingos 16 - 23 y 30 de mayo de 14 a 18 hs. lo invitamos a dialogar con Tana Sachs sobre su obra y compartir un café con algo rico.

"Acontecer Diario"
El vocablo acontecer evoca cierta idea de flujo impersonal contraria a la imagen de disrupción que esboza el término acontecimiento. La presente muestra de Tana Sachs Acontecer Diario (conjunto de objetos y fotografías) se emplaza en esa sutil relación, para expresar experiencias disímiles en la pluralidad de los tiempos contemporáneos.

El enfoque opone lo virtual- la mediatización pública del acontecer diario- y lo real – la vivencia directa del acontecimiento privado-. Entre lo que por exceso nos afecta y lo que por defecto nos mantiene alertas se producen mutaciones y paradojas.
Sachs ausculta la dimensión global de la comunicación para dar figura al derrame informativo que satura los sentidos y contamina las representaciones.
Esgrimiendo una posición crítica, la artista transpone en afirmación estética lo que sería una buena práctica periodística: íconos coloquiales, integridad técnico- estilística, argumentos humanistas ; tiende puentes para acercar las orillas de acontecer y del acontecimiento: traduce temporalidades, crea en el telar del arte un texto tercero. Y, sólo entonces, comunica.

Alicia Romero & Marcelo Giménez Docentes e Investigadores en Artes

Arte textil contemporáneo

2009-11-13T07:17:00.000-08:00

2009-10-07T16:13:00.000-07:00

Esteban - Tempe - Hernandez

Inauguración 6 de octubre
Clausura 1 de noviembre
"Taller en tránsito" de la galería Decastelli-arte
Se podrá ver trabajar a Tempe Hernandez los domingos 18 y 25 de octubre de 13 a 16 hs. .

2009-08-13T15:50:00.000-07:00

"El velorio del pollo" instalación

Artistas: Susana Casanovas - Norberto Estrin - Claudia Gherstenfeld - Lydia Martino - Ariela Naftal - Rut Rubinson - Alejandrina Solá
Inauguración 1 de setiembre
Gallery Nights 24 de setiembre 19 hs.
Clausura 4 de octubre
Esta exposición fue abierta a 53 artistas para que participen con trabajos individuales en "Los recuerdos del pollo"- Adriana Aiman - Jorgela Argañaras - Maximiliano y Miguel Biazzi - Silvana Blasbalg - Silvia Brewda - Valeria Budasoff - Paula Carrera - Susana Casanovas - Renée Cohen - Ariel Cohn - Silvina de las Carreras - Silvia Dimant - Florencia Estevez Cambra - Gabriela Esterowich - Andrea Feldstein - Silvia Flichman - Patricia Freideles - Claudia Gherstenfeld - Carola González Casartelli - Analia Hahn -Miriam Hecht - Serafina Ho - Eugenia Jalif - Myriam Jawerbaum - Liliana Kaplan - Lea Kletnicki - Lucia Kuschnir - Ester Levy - Melanie Mahler - Dina Majlin - Marcela Manoukian - Gloria Marias - Lydia Martino - Elizabeth Menta - Liliana Ines Miotti - Laura Nucenovich - Luisa Pagola - Maria Elena Pensel - Daniel Prandi - Norma Proietti - Rita Rey - Claudia Rizzoli - Diego Romistrovsky - Pupi Rymberg - Tana Sachs - Liliana Sanchez - Irene Serra - Alejandrina Solá - Ester Szlit - Berta Teglio - Viviana Ward - Gisela Zenobi

2009-06-27T15:06:00.001-07:00

Alejandrina Solá

Del 7 de julio al 25 de agosto

Alejandrina Solá, se expone.
Con cuidadoso sarcasmo y sutiles propuestas, en la línea de sus anteriores exposiciones, Alejandrina busca uno de los núcleos sensibles de su imaginario. “De cómo conocí las pérdidas y me convertí en una exagerada” hilvana cierta ritualización social, desde una innegable óptica cómica y kitsch. Una suntuosa obra de pliegue barroco y mediante repujado efecto ridiculizante eclosiona en marcos de inquietante ternura estereotipada. Sin embargo, ahí está la carga de la emoción, apenas disimulada por la risa de ese implante de puntillismo abstracto y salpimentado de brillantina, que parece alegrar bastidores donde confluye el “efecto marco”. Con lo que resulta una propuesta en la cual hasta pueden graficarse en un intento de anclar el desborde, versos tomados al azar; mientras que inmóviles en su compostura de traje de novia, las muñequitas con capuchas de satén se instalan en el reflejo del laberinto de las des/esposadas que se encaminan a trasponer la barrera de la soltería. Autorreferencial espejo desilusionado de ardiente femineidad, para el que completa la metáfora un cuidado Álbum de Novias, en su congelado remedo fashion.

Alberto Mario Perrone,
De la Asociación de Críticos de Arte. Bs. As.2009.

Performers: Alejandrina Solá - Carolina Waissman - Julieta Ali -
Brenda Bryant - Julieta Mora - Silvana Narvaez

A. Solá en el transcurso de su muestra realizó la performance "Así se casan algunas chicas" la que fue acompañada por un gran número de espectadores. A partir de dicho acontecimiento, fue invitada por la "Casa del bicentenario" a participar del mismo el próximo año.

Obtuvo diversas notas en portales de internet y en la revista cultural "Asterisco"

Coleccionistas y visitantes a nuestra galería han adquirido varias de sus obras.

2008-12-27T14:13:00.000-08:00

Colectiva de dibujo - escultura - pintura

Melanie Mahler - Gloria Arboleda

Federico Elías

Luisa Pagola

Micky Garcia del Rio - Graciela ieger

Esteban Hernandez - Matías Montero Lacasa

2008-08-16T07:34:00.000-07:00

Susana Casanovas

Susana Casanovas en la instalación de una florería exhibe especies que fueron cultivadas para ser cortadas, este hecho las desplaza de su centro.
Un resto de savia les ha permitido soñar y desarrollar una vida de ilusión, que lleva la muerte a cuestas.
Estas flores tienen una savia fuerte y persistente, pero su verdadera nutriente, quedó lejos, en su raíz.
Allí se encontraba la unidad de lo cíclico, la vida tal como es.

Ambito Financiero, Buenos Aires, viernes 12 de setiembre de 2008
Escribe
Laura Feinsilber
Susana Casanovas

La inclusión de flores en la pintura tiene antecedentes remotos, en la Roma Imperial, en frescos del Giotto, en los libros de Horas medievales y a partir del siglo XVII en los famosos bodegones y floreros. Francisco Pacheco que trató este tema en un libro , en 1649, decía: .
Los místicos ven en las flores testimonio de la omnipresencia de Dios y, así, podría hacerse un inventario que va desde las guirnaldas en torno a una representación sacra, barrocas, hasta las de jarrones de carácter rococó y los ramilletes con pinceladas a la manera de piedras preciosas.
Mucho más cercano en el tiempo están las de Fantin Latour, emblema de la belleza, los lirios y girasoles de Van Gogh, en términos de mercado, los más caros del mundo, los de Georgia O'Keefe en las que hay contenidos simbólicos de carácter erótico y las que hablan de la caducidad de la belleza y la irremediable muerte.
En este último contexto puede situarse la instalación , de Susana Casanovas (Argentina, 1964), graduada de las escuelas Belgrano y Pueyrredón además de concurrir a los talleres de pintura de Carlos y Héctor Tessarolo, al laboratorio de técnicas escultóricas no tradicionales de Claudia Aranovich y que realiza su primera muestra individual en Decastelli (Chile 354).
Flores dispuestas como en una florería, realizadas con materiales encontrados, reciclados, de plástico, desechables, una realización que no ahorra agresividad y tampoco imaginación. Casanovas las muestra al borde de la muerte, porque eso es lo que sucede cuando se las pone con fines decorativos, instantes después de ser cortadas.
(Báratro), (Noteolvides), (Giravida), (Estrella Real), (De la vigilia), Casanovas ha elegido con ironía el término botánico y eludido todo paradigma de belleza y poesía con el que se las asocia.

Casanovas

Finaliza su muestra participando en la semana del arte y durante el mes de octubre, la instalación “Florería El Corte” estará presente en el programa Colectivo Imaginario conducido por Canela que se emite los domingos a las 16:30hs por el canal TN.
La participación en dicho programa culminará con una entrevista en el taller de la artista, en donde hablará sobre su obra.

2008-06-13T06:14:00.000-07:00

Norberto Estrin

Norberto Estrin se lanza a la práctica de la escultura sin concesiones. Bajo el accionar implacable de la motosierra surgen perfiles y cabezas facetadas, fragmentos de cuerpos que
se entrecruzan o se conjugan, figuras que evocan una antigua monumentalidad, más allá de
su dimensión en el espacio y de la contemporaneidad de su impronta.
Corinne Sacca Abadi - AAICA

Estrin Contó en su muestra con la curaduría de Corinne Sacca Abadi,
la publicación en el diario " Ambito Financiero " y varias notas en medios gráficos y páginas Web.
Se establecieron contactos para futuras exposiciones.

Del 14 al 31 de octubre de 2008 Estrin junto a Ana Tarcia y otros destacados artistas, participa de una muestra colectiva en el nuevo edificio de La Bolsa de Comercio de Bs. As.

Palabras de Rosa Faccaro dirigidas al público en la inauguración de la exposición de la Bolsa de Comercio (14/10/08)

...lo interesante de la obra de Estrin es como maneja el sentido del volumen, como maneja el trazo del tallado, de que manera conserva la frescura de no cansar a la obra con detalles que no son necesarios y después hay una idea global, lo que se llama la “pregnancia” de la forma que hace que nosotros nos acerquemos a esa escultura y encontremos una cosa fresca, una cosa que nos hace bien, que no necesitamos realmente hacer un gran esfuerzo sino que de repente la escultura se incorpora a nosotros como un hecho natural, como un hecho de la naturaleza apenas terminado por el hombre. Es como si el hombre respeta lo que la naturaleza nos quiere decir. Y eso para mi es una virtud que no todos tienen. Es estar en el lugar exacto entre el hacedor y la materia y la naturaleza. Por lo tanto le auguro un buen porvenir artístico.

2008-04-24T06:07:00.000-07:00

Claudia Gherstenfeld

Claudia Gherstenfeld a escala humana, con zapatos objeto y ruedas, indica el andar de la vida.
Desde la acción de calzarse para partir, cuenta historias cotidianas que amalgama con materiales equivalentes.
Con mirada casi callejera y un dejo escenográfico, tiene la cualidad de mostrar al hombre en sus distintas facetas.

Gherstenfeld fue entrevistada para revista "Sculpture" de EEUU. y por Julio Sapollnik para Cultura al Día TV, entre otras notas y publicaciones.

Del mismo modo que en muestras anteriores fue acompañada por adherentes a su obra.

Sculpture Magazine March 09 - 2009
By Maria Carolina Baulo Claudia Gherstenfeld is an argentine young artist. She started painting, then she tried with ceramics, but her main concerns lately are related with sculptures and objects.This exhibition, where she presents her new production, is called “AVANTI”. The entire presentation is related with humans. Shoes, clothes, everything we wear speak for ourselves even if we don’t want to. The artist works with shoes, objects and wheels and its relation with the motion of life; shoes represent the constant activity people have, the never ending circle of moving forward. The exhibition’s name, an Italian expression, expresses the idea of a turning wheel, just like the unpredictable wheel of fortune. “AVANTI” also gives us permission to walk, to pass, to enter; it’s a friendly way of welcoming others. The idea of working with simple materials to give shape to those shoes that recreate so many different characters and individuals, is also related with the ordinary action of putting them on every day just to get started. Gherstenfeld wanted to show as many varieties of shoes as she could. The entire exhibition presents all types of alternatives for the spectator to easily find the correct option that suits with his/her personal story. Some sculptures look “tired”, other shoes look fancy and glamorous and some reveal the cruel or tender side of its owner; even the artist’s shoes are part of the exhibition, her real shoes left in one of the corners of the gallery the opening night of the show. And you can tell a lot of Gherstenfeld´s personality just by looking at those colorful high heels.The support, the materials the artist used, basically paper, glue, and paint - but combined with flowers, nails, wood and real heels and spike heels - are transformed in such a way that the small sculptures look so natural we could even feel attracted to reach them and try them. And I also see there’s an interesting analogy between those pieces and the titles the artist gave them. Simplicity seems to be an ideal she wants to achieve, the main concern she seeks, but the paradox is also present because every title is configured in a cryptic way, far from being easily accessible: the title could represent just capital letters like R.I.P (not much more than an R, an I and a P) that communicate us nothing in case we don’t know the meaning of those letters all together just separated by dots; but it could also refer to the appearance of the shoe-sculpture. We could make the exercise of trying to find out the concept within those unpronounceable words, we could also choose to create the meaning ourselves, or we can just let it go and assume it is part of an intimate pact between the artist and her art work. An original way that Claudia Gherstenfeld finds to relate what an appearance could sell and how words give names those appearances; not always the same thing. As she said: “as simple and as complex as life itself”.

http://www.sculpture.org/documents/scmag09/mar

Ariela Naftal

2007-10-16T12:56:00.000-07:00

Ariela Naftal amalgama una cuantificación imperiosa de todo ser humano; confluir los canales del desastre,el propio, el posible.Sus objetos escultóricos resignifican y acrecientan la respiración del arte, el único pulmón artificial de la vida. La serigrafía marca el reverso del proceso de reproducción, no es copia, sino el tibio brebaje de quien se está curando.

Naftal es una artista que no deja de provocar con su obra y desde este lugar ha conseguido que su muestra obtuviera muy buena acogida de la crítica especializada.
Coleccionistas y visitantes a nuestra galería han adquirido varias de sus obras.

Rut Rubinson

2007-10-16T12:13:00.000-07:00

Rut Rubinson se vale de la litografía, el aguafuerte, la costura y el objeto para atreverse a los sueños con insistencia y silenciosa osadía.En sus valijas habita el microcosmos que uno arma y se lleva consigo.Hombrecitos que van hacia algún lugar, hilos que marcan una senda, valijas misteriosas, exponen un mundo tan metafísico como terrenal, tan incierto como real.

Rubinson caracterizó su muestra por haber sido muy visitada, con reconocimiento y aceptación del público quien adquirió varias de sus obras. Hemos tenido la satisfacción de obtener contactos con Art dealers interesados en su tarea.

Lydia Martino

2007-10-16T11:33:00.000-07:00

Lydia Martino, desde siempre utiliza el punto y la línea como potencial ordenador de su obra.Trabaja desde la geometría sin ser una artista geométrica, pero se vale de ella en su composición.Para representar usa la línea activa, conformando superficies, esta línea se desplaza con total libertad guiada por el punto que se proyecta continuamente.Utiliza como soporte de su obra PVC, primer material creado por el hombre.Por la sumatoria de concepto y materia obtiene una obra de delicada pureza donde se vislumbra la búsqueda de nuevos paisajes.

Martino, durante su muestra obtuvo la invitación a exponer próximamente en el Museo de Arquitectura de la Ciudad de Bs.As. y apoyo de la crítica especializada. Julio Sapollnik la entrevistó para Cultura al Día TV, entre otras notas y publicaciones.